Ubud est le deuxième mouvement de "Irrawady", oeuvre en quatre mouvements composée par Claude Barthélémy. Le premier mouvement s'intitule Okawatis le second donc Ubud le troisième Le dos des caïmans et le quatrième Gazebo. Claude Barthélémy est à l'origine un jazzmen et nous compose donc ici une suite contemporaine à tendance très jazzy. C'est pourquoi à plusieurs reprises dans Irrawady il indique qu'il faut jouer à la façon de tel ou tel saxophoniste de jazz.

David Sanborn (né le 30 juillet 1945) est un saxophoniste américain, le plus généralement associé au jazz doux. Il est né à Tampa, la Floride et a grandi à Kirkwood, Missouri.

·Ensuite page 5 Charlie Parker dans "Salt Peanuts"

Charles Christopher Parker, dit Charlie ou 'Bird' , reçoit à onze ans son premier saxophone, avec lequel il participe à des jam-sessions à Kansas city. Sous l'influence du pianiste Art Tatum et du saxophoniste Lester Young, il devient professionnel à 17 ans mais non sans heurt. Son style reste longtemps incompris et il doit affronter le mépris de certains pour s'imposer. Adepte du be-bop, il travaille avec les chefs d'orchestre Earl Hines et Billy Eckstine avant de former un quintette avec Dizzy Gillespie qui sera reconnu par tout le mouvement bop. Alors qu'il part en tournée avec The Jazz at the Philarmonic, les excès de drogues et d'alcool l'arrêtent, il est hospitalisé pour dépression nerveuse. Quand il rentre à New York, il découvre un certain Miles Davis avec qui il enregistre quelques-uns de ses morceaux phares. Mais sa santé décline alors rapidement et c'est chez la célèbre mécène Nica de Koenigswater qu'il s'éteint à seulement 35 ans. A l'instar de Louis Armstrong, Charlie Parker eut une influence considérable sur la conception même du jazz. S'il n'eut pas un grand succès auprès du public, 'Bird' a bouleversé les codes d'improvisation du jazz en plus de lui donner quelques morceaux, comme 'Donna Lee' ou 'Bilie's Bounce' devenus depuis des classiques.

Dans les années soixante, soixante-dix, Maceo Parker fut le saxophoniste de James brown. Ses performances sur les plus grand tubes de James Brown comme "I feel Good", "Gonna have a Funky Good Time", "Papa's Got A brand New Bag" le rendirent célèbre. De manière plus épisodique, Maceo travaille souvent avec les grandes stars du P-Funk comme George Clintown et Bootsy Collins et dans de nombreux groupes parmi lesquels son propre groupe, Maceo and All The Kings Men. En 1990, son album "Roots revisited" entre dans le top Jazz pour 2 mois. Il fut nommé "Meilleur artiste Jazz de l'année" par le magazine Rolling Stone. Plus récemment Maceo a réalisé un album Live accompagné d'une vidéo "My Name Is Maceo". Il participe maintenant à de nombreux festivals dont le "North Sea Jazz Festival" ou il fut accompagné par Fred Wesley au trombonne.

Voici un deuxième enregistrement, Gaucho, par le quatuor de 3ème cycle, enregistré lors d'un spectacle avec la classe de danse, et ceci, toujours lors d'un projet Brésil réalisé en 2006.

Pour commencer une série d'enregistrements que l'on mettra en ligne,

Dès lors sa carrière revêtira trois aspects. Saxophoniste de variétés, on le retrouve dans plusieurs grandes formations du moment ainsi que dans les grands music-halls et cabarets parisiens (Lido, Moulin-Rouge, Folies Bergère, etc.). Parallèlement et en tant que saxophoniste classique il assure de nombreuses prestations dans les orchestres de la Radio, de l'Opéra et des Associations symphoniques. En 1961, il entre au célèbre Quatuor Marcel Mule au poste de saxophone ténor, instrument sur lequel il se spécialise, ce qui lui vaut d'être appelé à participer à de nombreux concerts et enregistrements au sein de l'Orchestre Philharmonique de Berlin (H. von Karajan), de l'Orchestre de Paris (D. Baremboim) et de jouer en soliste faisant ainsi connaître le répertoire assez rare du saxophone ténor. A la dissolution du Quatuor Mule, Guy Lacour collaborera pendant plusieurs années à l'Ensemble de Saxophones Français.

Je ne regrette vraiment pas de faire du saxophone.

Quand je vois tout ce que l’on fait, tous les projets que l’on réalise, et surtout le répertoire varié que l’on pratique et bien sur la musique d’ensemble, surtout le quatuor !

Quand je vois des copains d’autres instruments au conservatoire, ils ne font que leurs cours et l’orchestre, que cela doit-être triste !

Et en plus, il y a une bonne ambiance dans la classe…

J’ai vraiment du bol de faire du sax !

J’ai eu la chance de les entendre plusieurs fois et d’avoir rencontrer Louis Sclavis, et à chaque fois, se fut des moments inoubliables.

Bien sur, le saxophone dit « classique » est peut-être loin de cet univers, mais le saxophone contemporain en est tout proche. Pour preuve, Louis Sclavis a joué pendant une saison avec le quatuor de saxophones habanera en quintette, énormément de pièces de compositeurs actuels font référence au Jazz et à la musique improvisée. Et la musique contemporaine pour beaucoup de compositeurs, c’est de la musique improvisée écrite. Donc musiciens, et donc saxophonistes, se retrouveront dans la musique de Sclavis et Portal.

Pour finir, vous l’avez peut-être remarqué, que plusieurs articles portent sur des compositeurs, des époques, ou des styles. Ceci est en relations avec le répertoire étudié cette année. Que ce soit les classiques comme Glazounov, Koechlin, Debussy, les contemporains comme Lauba, Barthélémy ou encore Risset,  toute ces pièces sont au programme que l’on vous détaillera tout au long de l’année.

 

Sigurd M. Rascher est né en Allemagne en 1907. Il reçoit en 1930 un diplôme de Stuttgart Musikhochschule et pense faire carrière comme clarinettiste professionnel. Mais il change d'avis pour jouer du saxophone, sur lequel il devient un excellent interprète reconnu  mondialement.

En plus du diplôme reçu au Conservatoire, il joue dans un orchestre et il devient enseignant dans des écoles primaires. Il est nommé en 1934 professeur de saxophone au Conservatoire Royal Danois, Copenhague et plus tard au conservatoire dans Malmö, en Suède. Il enseigne également aux U.S.A à l'École de Musique de Manhattan, à l'Université du Michigan et à l'École de Musique d’Eastman.

Les concerts lui occupent une bonne partie de son temps et de son attention depuis 1932. Il a joué en Europe en Australie et même en Tasmanie (1939 et 1959). Ses débuts américains ont  lieu en 1939 avec l'Orchestre Symphonique de Boston puis il apparaît plusieurs fois avec l'Orchestre Philharmonique de New York, avec l'Orchestre de Philadelphie, l'Orchestre de Cleveland, l'Orchestre Symphonique Nationale et beaucoup d’autres.

Rascher obtient un grand succès qui sans doute, est lié au développement du registre du saxophone, à son contrôle des gradations tonales, à son impressionnante technique et à son sens musical. Il attire alors l'attention de compositeurs comme  Bentzon, Borck, Brant, des Manteaux, Cowell, Dahl, Gläser, Glazounov, Hába, Hartley, Hindemith, Hlobil, Husa, Ibert, von Koch, l'Agneau, Larsson, Martin, Milhaud, Osterc, Wirth, Worley et beaucoup d'autres.

Concernant les possibilités techniques du saxophone, Rascher signale qu'Adolphe Sax disait de son invention qu'elle est aussi maniable qu'un instrument à corde et aussi puissante qu'un cuivre. Qu'il possède la grande agilité technique et une puissance expressive égal à un violoncelle. Dans le développement de sa propre technique, Rascher a essayé d'approcher aussi près que possible les hauts idéaux de l'inventeur du saxophone. Son succès a été considérable.

Rascher démontre que la limite supérieure du registre du saxophone n'est due qu'au manque de capacité d'un interprète et n'est la faute ni de l'instrument, ni de son inventeur.

Rascher réalise avec un succès phénoménal l'approche des idéaux d'Adolphe Sax, tout en développant les capacités tonales et techniques du saxophone. En 1938 il reçoit une photographie de la fille de l'inventeur Adolphe Sax. Elle est alors âgée de plus de quatre-vingts ans. Lors d'un concert à Strasbourg, elle avait entendu Rascher jouer du saxophone et  lui fit le commentaire suivant : "Vous jouez du saxophone comme mon père avait imaginé qu'il doit sonner".

Entré à l’École Polytechnique en 1887, Charles Koechlin en sortit comme officier d’artillerie en 1889, mais il démissionna afin de se consacrer complètement à la composition musicale. Il est admis au Conservatoire de Paris (1890-1898). Ses premières oeuvres portent déjà l’empreinte de sa personnalité et de son esprit de liberté. Il ne veut pas pasticher les formules du développement classique, mais ne se sent pas capable encore de se libérer de leurs entraves. Il ne composera donc, de 1890 à 1900, que des mélodies (chant et piano) ou de chœurs sur des poèmes connus. En 1898, Gabriel Fauré, dont Charles Koechlin aime profondément la musique, lui avait confié l’orchestration de la musique de scène de son Pelléas et Mélisande. Il acquiert bientôt une connaissance technique qui lui permet d’écrire ses premières œuvres symphoniques importantes dont l’énumération ne nous parait pas ici à leur place.

Esprit cultivé, curieux de toutes choses, fin lettré en même temps que mathématicien, il a, en véritable artiste, pleinement conscience de l’importance de son oeuvre dans l’évolution de la musique contemporaine. Il peut écrire, en 1947 : "... au soir de ma vie, je me rends compte que la réalisation de mes rêves d’artiste, pour incomplète qu’elle soit, m’a donné la satisfaction intime de n’avoir pas perdu mon temps sur la terre.."